sexta-feira, 19 de março de 2010
1Aconteceu em Woodstock
Leve, foi essa a sensação com a qual sai do filme de Ang Lee sobre o lendário Festival de Woodstock. Na verdade, não é exatamente sobre o festival, mas sobre o responsável por levar à pequena cidade de Bethel Estado no estado de NY que a narrativa irá se debruçar para tentar passar um pouco da sensação de liberdade daquele momento único. Baseado no livro Taking Woodstock: A True Story of a Riot, A Concert, and A Life, autobiográfico de Elliot Tiber, a história irá mostrar a transformação daquele lugar esquecido com os ganhos e perdas para aquela família antes falida. Engraçado que o filme ensaia falar um pouco da população local, mas acaba esquecendo-a completamente na segunda parte do filme.
Elliot Tiber, vivido pelo comediante Demetri Martin, é um decorador que tenta a sorte em Nova York até que resolve voltar para sua cidade natal na tentativa de ajudar seus pais a saldar uma promissória que lhes tirará a casa e sustento, já que esta é também uma pousada decadente. Aproveitando-se do fato de ser responsável pela Câmara de Comércio da cidade, tem a idéia de trazer o festival de música que havia sido expulso de uma cidade vizinha por causa da insatisfação da população com a possível invasão hippie. Ele só não tinha noção de que mais de 500 mil pessoas iriam tornar sua cidade em um estado de calamidade pública.
O roteiro de James Schamus, como falei, até ensaia falar dessa calamidade e da revolta dos locais com Elliot, mas acaba esquecendo-a e concentrando na revolução pessoal de Elliot e seus pais. Imelda Staunton e Henry Goodman merecem aqui um destaque especial por suas interpretações do casal judeu que vê suas vidas transformadas com aquelas pessoas estranhas, vivenciando experiências novas, mas sem deixar de se preocupar com o filho. Outra caracterização impressionante é a de Jonathan Groff que encarna a tranquilidade e visual do produtor Michael Lang de uma forma impressionante. E ambos, personagem e persona inspiradora, me lembram muito Treat Williams em Hair e o estereótipo do "hippie cuca fresca".
A sempre elogiada fotografia de Eric Gautier nos conduz sempre à Elliot, nunca focando o festival, o que acho acertado, apelando muitas vezes para a já usada tela dividida, que busca dar conta de todas as instâncias daquele caos organizado. Algo, no entanto, fica faltando, seja no roteiro, na direção ou na fotografia para tornar a experiência realmente sublime. O filme não atinge o objetivo de construir um protagonista para aquela história, que é na verdade do fenômeno histórico e não de uma pessoa em particular. Por vezes, se perde em algumas experiências tolas de auto-descoberta, sem se aprofundar exatamente na construção desta. Afinal, Elliot se mostra um personagem raso, um recorte de várias sensações sem nexo. Há algumas cenas em que a catarse é pretendida, mas não se consuma exatamente pela falta dessa profundidade, como no momento em que encontra a mãe deitada no armário com os dólares ou na cena da boate.
Ainda assim, a experiência é sensitiva. Algo no clima e nas imagens que Ang Lee constrói como conjunto fílmico no leva para aquele espaço de transgressão, mesmo que esquecendo as questões políticas não abordadas no filme. Isso me fez sair leve. Com vontade de cantar e vivenciar algo parecido, coisa que é, infelizmente, impossível.
Começa amanhã o 
"O medo é a trilha para o lado negro. O medo leva à raiva. E a raiva leva ao ódio. O ódio leva ao sofrimento." Quando mestre Yoda disse isso para Anakin Skywalker ele estava prevendo o futuro de um dos maiores vilões da ficção científica. Alguns dizem que a Saga de George Lucas é uma analogia ao nazismo. Fantasia ou realidade, o âmago do que aconteceu ao povo alemão para que aceitasse um líder como Hitler e disseminasse a idéia de raça pura e anti-semitismo com tanta força ainda é um mistério. Experiências até tentaram compreender, como o retratado no filme 
E é assim que a gente fica após assistir 
Para quem gosta de documentário musical e mora em São Paulo ou Rio de Janeiro, uma boa notícia. Começa quinta-feira, dia 18/03, a segunda edição brasileira do 
Beyond Ipanema
Mamonas para Sempre – O Doc.
Bezerra da Silva – Onde a Coruja Dorme
Dzi Croquettes
Meu Amigo Claudia
Seu Jorge – América Brasil, o documentário
Quase esquecido por público e crítica, Paulo Thiago construiu mais que um 
Voltando ao filme em si, há falhas técnicas diversas. O roteiro não é tão bem amarrado, oscilando por vezes, em um melodrama caricatural, tornando o drama menos denso do que poderia. Muitas cenas soam de forma artificial e algumas interpretações ficam aquém do esperado. Peca ainda, no final, ao colocar um noticiário e depoimentos de Ivan Lins e Geraldo Azevedo em uma tentativa sem sentido de mostrar que aquilo é real. Porém, há uma coerência e uma sensibilidade em mostrar a história de vida daqueles meninos sofridos, a forma como eles vão aprendendo a tocar os instrumentos, a dedicação e o amor a música, as primeiras apresentações. É possível se envolver e se emocionar com várias cenas. Destaque para a apresentação em frente à prefeitura após a confusão.
Hoje estreia 
Depois de anos tentando adaptar Where The Wild Things Are, 
A atmosfera lembra muito outro clássico infantil: História sem Fim. Na verdade, tudo ali é metafórico. A ilha é apenas a simbologia do interior do garoto, com seus monstros internos, sentimentos contraditórios e confrontações sofridas. É uma jornada de crescimento, do fim da primeira infância, onde a criança aprende que existem os outros e têm que respeitar limites.
Qual o sentido da vida? Sua visão é determinista ou você acredita que suas ações movem o mundo e tudo é uma questão de causa e efeito? Se é assim, o que você fez para merecer as malezas que lhe ocorrem? São essas perguntas que movem toda a construção do filme 
Michael Stuhlbarg dá ao seu Larry uma apatia e incompreensão incríveis, a gente fica perdido junto com o personagem tentando entender o que aquele filme quer nos passar. A graça é essa, ao contrário do que quer provar o professor de Física de que tudo é lógica, a vida não segue esse rumo tão preciso e somos surpreendidos com incongruências a todo o momento. O cartaz do filme mesmo foi bastante feliz ao colocar Larry em cima do telhado olhando a vizinhança (ou melhor a vizinha). A sensação é essa, que o personagem está tentando se dissociar da realidade para tentar entendê-la. Aí vem uma força da natureza e bagunça tudo. O destino está sempre pregando uma peça em nós. 
Todos os anos temos comédias românticas explorando o Dia dos Namorados ou simples histórias de princesas. 
No elenco, "
Já passava da meia-noite no Kodak Theatre, quando Barbra Streisand anunciou a quebra de um tabu. Coincidência ou não, em pleno dia internacional da mulher, pela primeira vez uma representante do sexo feminino vence o Oscar de melhor direção. E não foi só isso. O filme de Kathryn Bigelow levou seis estatuetas das nove que concorria, tornando-se o grande vencedor da noite. Achei justo. No geral, Guerra ao Terror se 
Os quatro atores premiados, apenas confirmaram seu favoritismo. Destaque para 
Apesar de ter vencido o prêmio do Sindicato dos Roteiristas e estar cotado entre os favoritos, só não gostei mesmo foi do Oscar de roteiro adaptado para Preciosa, o argumento é bom, mas o roteiro não tem nada demais. Gostei de ver ainda 
Não é só com efeitos especiais que se inova no cinema. A forma de contar a história é essencial nesse processo e Kathryn Bigelow conseguiu aquilo que Neill Blomkamp tentou em Distrito 9, levar a linguagem do documentário para a ficção. A câmera na mão, efeitos sonoros todos intra-diegéticos, linguagem realista e ritmo narrativo real. Há elipses, claro, em documentários também, mas a construção das cenas nos dão uma sensação de documentação do dia a dia daqueles soldados. A edição, no entanto, é rápida, picotada, não deixando que a narrativa fique monótona. Não há uma grande trama, uma jornada a ser seguida. O filme conta a rotina de desarmadores de bomba no Iraque. Sem pontos de vistas privilegiados, sem vangloriar os Estados Unidos, nem mesmo o estado de guerra. Há apenas a tese defendida de que a adrenalina da batalha vicia. E quem um dia irá dizer que não há razão nisso? 
Em alguns momentos, o roteiro de Mark Boal apela para o melodrama, é uma forma, provavelmente, de humanizar um pouco mais a situação, precisamos nos afeiçoar ao personagem para sentir sua dor. É assim com o garoto iraquiano ou com um soldado mais novo que fala de sua certeza que vai morrer. Interessante perceber que ele fala da morte eminente enquanto joga um video-game de tiro. Mesmo em plena guerra, com toda aquela adrenalina, sua diversão é dar tiros na tela. Há uma bela crítica aí. Assim como na necessidade de adrenalina do sargento James, vivido muito bem por Jeremy Renner. Ele não se contenta em desarmar bombas. Ele arrisca mesmo quando seus superiores mandam parar, ele resolve pegar as luvas esquecidas no meio do teste de explosões, ele quer ficar quando todos sonham em ir embora. Seu embate com o sargento TJ (Anthony Mackie) é um ponto extra em toda a história, que a faz andar. Mesmo que não haja aqui, vilões ou mocinhos. 
O Fantástico Sr. Raposo é baseado na fábula Raposas e Fazendeiros, de Roald Dahl, mas em uma versão bem surreal que inclui na trilha sonora músicas de Rolling Stones a Beach Boys. A atmosfera é excêntrica com um tom bem artesanal que, por vezes, parece artificial. Ainda assim, é bem construído, explorando planos e ângulos que só o formato permite. 
O clima de suspense e drama, no entanto, vai caindo após o crime em si, chegando a uma sequência lamentável com uma deslocada Susan Sarandon em um clipe absurdo em meio a toda aquela situação. Prefiro esquecer esses dez minutos de filme. Já Mark Wahlberg me surpreendeu em diversos momentos, conseguindo uma boa dramaticidade no sofrimento daquele pai obstinado, achei que ele nunca conseguiria passar emoção. Saoirse Ronan também está bem, trazendo verdade em seus momentos tensos. Mas, o filme é mesmo de Stanley Tucci. A indicação ao Oscar é mais do que merecida. Ele consegue dosar bem o seu perturbado George Harvey, dando total veracidade aos seus atos insanos e a frieza ao ser confrontado pela polícia e pelo pai aflito. 
Em tempos de tecnologia totalmente 3D, só o fato de um longa em 
Mesclando drama com comédia, o longa diverte e faz refletir, além de ser assustador em alguns momentos. Não apenas as crianças vão ficar tensas em alguns momentos. A magia é o que predomina em cena. Com uma direção de arte primorosa, o filme nos envolve em sensações, a começar pelo túnel que leva Coraline ao seu mundo secreto. A animação psicodélica pretende atrair as crianças, então, não reclame de ratinhos saltitantes, gato falante (olha a referência a Alice), tramóias mirabolantes e desfecho previsível. Mesmo mantendo a tradição do gênero, Coraline não chega a apelar para clichês muitos óbvios, mesmo na construção do vilão. Aliás, a progressiva revelação do perigo é muito bem realizada. 
